別把手藝“供”在博物館，日常才是它最好的“秀場”

中國手工藝，正在重新進入我們的生活。

它不再只是博物館里的靜物，也不再是教科書上的名詞。材料有了新的表情，工藝被重新解碼，器物正一件件回到日常——喝茶、點香、舉杯、穿衣。WM HOUSE 2026年首展「中國新守藝」，就是在這樣的變化里應聲落地。

位于成都太古里的 WM HOUSE

換上全新設計

WM HOUSE 連同策展人冉祥飛的“MADE IN JDZ”項目，邀請30多位創作者參與。超過500件作品，從陶瓷、金工、玻璃到布藝、漆藝、皮藝，六大品類在這里并置，不擺歷史年表，也不做考古說明。它們被直接放進當代的語境里，成為一組“正在發生”的生活樣本。

WM HOUSE 2026年首展
五行空間 · 30+位創作者 · 500+件作品

即看即買，藝術不再束之高閣

看中國手藝，長成新的樣子

在這里，問題不再是工藝如何被延續，而是——當材料、技術與生活方式都已經改變，手工藝如何繼續成立。年輕一代創作者給出的答案，不是復制，而是一種輕快又篤定的重寫。

展覽用中國五行作為設計靈感搭建了空間骨架，但五行在這里不是玄學，更像五組創作邏輯：火、土、金、水、木，對應著轉化、生成、結構、流動與時間。它不是分類標簽，而是幫你進入中國手工藝的五個入口。

徐暄裝置作品《且徐行》

打造形似竹林般的霓虹玻璃裝置

在進入這一系統之前，觀眾首先經過序廳空間。藝術家徐暄的裝置《且徐行》以傳統霓虹玻璃工藝為基礎，以14根錯落排列的透明玻璃管構成形成近似等離子火焰的發光裝置。流動的光取代燃燒，成為可被延展與控制的能量形式。作品取意于竹，呼應蘇軾《定風波》的意象——光代替了燃燒，傳統變成了一種可以被感知的節奏。觀眾穿行其間，進入一個由光與空間共同構成的場域。

在這一空間中，火不再被視為自然元素，而是一種使材料發生轉變的條件。陶瓷的燒制構成其最直接的體現——泥土在高溫中獲得結構與強度，同時在不可完全控制的溫度與氣氛中生成釉色與肌理。電窯、氣窯、柴窯——不同選擇背后，是創作者對穩定、效率或獨一無二的各自傾向。

在“火”空間里感受能量的多種形式

與此同時，火被轉譯為其他媒介中的持續能量：霓虹把燃燒延展為光的流動，線香用氣味標記時間，使空間與時間以另一種方式被感知。創作者真正處理的，并非火本身，而是“怎么讓變化發生”。

付若含呈現“彌敬東方”

作品《八方杯碟》《大鵬金翅鳥》

在過渡空間里，秋山房的裝置《Kilnscape 2024》將蘇打燒的窯具整體移出原有語境。耐火磚、棚板與器具被并置為一個“窯景”，那些原本藏在背后的工具，現在成了主角，上面每一道釉變都在說話。

秋山房《Kilnscape 2024》

讓蘇打窯工具成為了主角

火負責變，土決定“變完之后長什么樣”。從礦土的篩選與調配，到拉坯、修坯，再到施釉與燒制，每一步都是對材料的判斷。杯壁薄一點或厚一點，比例松一點或緊一點，觸感溫或涼，都不是偶然。玲瓏瓷、顏色釉、青花與粉彩在這里卸下了紋樣敘事的包袱，轉而靠結構、透光、觸感來說話。

玲瓏瓷、顏色釉、青花與粉彩

在“土”空間并置

玻心璃語

呈現澆鑄玻璃工藝

Fragi Studio × Studio Ololoo

作品《Fragi 茶具》展示吹制玻璃工藝

袁旭在其品牌“真賞”

展示粉彩工藝

劉翔宇在其品牌“borges”

講述虛構故事

NICEDAY Lab

將“未來美學”具象化

這一邏輯被藝術家冉祥飛延伸至空間之中，其裝置《虞美人的山坡·二十四節氣篇》以玲瓏瓷為基礎，將原本用于日常的杯體轉化為空間單元，通過磁吸附著于金屬結構之上，形成高低錯落的整體關系。光線透入器物，在空間中產生細微變化；當空氣流動，器物之間的輕微碰撞帶出聲響。時間在這里變得可以被聽見。

冉祥飛作品《虞美人的山坡·二十四節氣篇》為空間造一片山坡

金，更像是一種“結構感”。金屬的加工依賴精確控制——切、鍛、焊，每一步都指向明確的結果。這種確定性，讓它成為手工藝里最“理性”的一支。

在“金”的空間里

感受工藝理性的一面

牛芳芳

作品《九峰雪霽圖系列》

陳健在品牌“所矣 SO LAB”

用零件拼出作品

當金屬遇上陶瓷，秩序和隨機就湊到了一起，周亞蓬的《水月陶瓷屏風》就是在這一關系中展開。高溫陶瓷嵌進金屬框架，模塊可旋轉、可拆卸。窯變釉面像水痕，金屬框架利落干脆。光從孔隙穿過，影子慢慢移動，屏風不再只是隔斷，更像在調節空間的呼吸。

周亞蓬作品《水月陶瓷屏風》

讓空間多了別樣的呼吸

黃一峰在其作品《Trigram 博古架》中，以榫卯邏輯為基礎，將其標準化為可重復的連接節點，每個構件同時具備“榫”與“卯”的功能，無需額外固定即可完成搭建。傳統經驗變成了一套可拓展的結構語言——家具成了可以不斷重組的系統。

黃一峰以榫卯邏輯

創作了《Trigram 博古架》

金立下邊界，水讓邊界松動。這里的水沒有固定形狀，它體現在器物和人的使用關系里。茶杯、咖啡壺、酒杯，不同材質在接觸液體時被喚醒：陶瓷溫潤，玻璃通透，金屬冷冽。觸覺、氣味、溫度都在使用中流動開來。

羅晟利用裝置《流蘇》讓瓷磚呈現出“軟”

這種流動性也被延伸至空間結構之中。羅晟的瓷磚裝置《流蘇》，通過釉面和立體條紋，讓硬質的瓷磚有了織物的垂墜感。隱蔽式拼接消解了單塊磚的邊界，整面墻在光線下連續起伏。材料明明是硬的，感受卻是軟的。

如果說水讓關系持續流動，那么木，則讓這種流動沉積為可被感知的時間。這里的“木”不單指木頭材質，而是一整套植物系材料：纖維、樹液、皮質。它們不靠瞬間高溫完成轉化，而是在浸泡、剝離、紡線、鞣制的慢節奏里，把時間揉進肌理。

PLAN-W3作品《囿》

讓雕塑為日常空間而生

夏布是這一邏輯最直接的體現。苧麻經由浸泡、剝離、紡線與織造，逐漸顯現出輕薄、透氣與挺括的特性。這些性質并非被設計賦予，而是在時間與身體的介入中被釋放。四把刀的《夏布帽子》在此基礎上展開，僅通過結構與比例的調整，將“涼爽”轉化為具體而即時的觸覺感受。

四把刀在《夏布帽子》

呈現傳統材質——夏布

漆藝家陳方以作品《松》和《蘭》，呈現出另一種更為緩慢的時間維度。天然漆經層層涂覆、干燥與打磨，在反復與等待中積累出具有深度的表面。器物不急于完成，而是在使用中繼續生長。

漆藝的“慢”在陳方作品《松》和《蘭》

中逐漸體現

如果說“五行”構成了一種觀看與理解的結構，那么這些個體實踐，則發生在結構的縫隙之中。它們并不試圖對應某一元素，而是在各自的方法里，重新界定材料、工藝與使用之間的關系。

一種路徑，是將工藝從既定邊界中釋放。冉祥飛試著讓陶瓷“去器物化”——《海錯燈》近似生物的生長形態，《當微風吹過》把陶瓷、合金、化纖并置，手工感進入可復制的系統，在唯一和量產之間找到曖昧地帶。郭士龍的《里世界》用玻璃絲構建連續空間，內外邊界被重新構建。

冉祥飛作品《海錯燈》

冉祥飛作品《當微風吹過》

郭士龍作品《里世界》

另一種路徑，則將時間與變化引入材料本身。宋耎姝在《銀之海》中利用銀箔的自然氧化去捕捉海面光線變化，畫面永遠在生成中；辛瑤遙的《朤朤》通過裁剪與拼貼重構青瓷，將陶瓷的易碎性轉化一種形式語言。

宋耎姝作品《銀之海》

辛瑤遙作品《朤朤》

同時，也有創作實踐將工藝推向更復雜的材料關系。陳英澤的《融》，銀與瓷并置，剛柔相抗；《當局》《時空縫隙中生存》則讓金屬帶上敘事感。類似的跨材料協作，也出現在黃稚雅與張明碩的《BOLD STOOL》以及王文茜“花眠”系列中——漆藝、金屬、纖維與新材料被重新組合，使器物在功能、裝飾與結構之間獲得更開放的關系。

陳英澤

作品《融》

MING DESIGN（黃稚雅、張明碩）

作品《BOLD STOOL》

王文茜及其品牌“Fayweaver”

作品《臺燈》（花眠系列）

在這些作品里，工藝不再是某種材料的專屬技法，而變成一套隨時可以調用、改寫的工具箱。

張潔白用“LA FADEUR”

表達東方氣息

趙祎在其品牌“山隅香鋪”

帶來手工線香

eios把東方美學

植入日常護膚

當“傳統”不再是一個需要仰望的答案，而是一個可以隨時重寫的文本，手工藝就回到了它本來的樣子——一種鮮活的、持續生長的創造方式。

「中國新守藝」展出的，不是某一種風格或流派，而是一種正在形成的默契：在一切都在變快的當下，人和手工藝之間，依然可以建立真實、細膩、具體的連接。

本次展覽采取即看即買形式

讓手工藝不再束之高閣

這不只是一場工藝展，更是一次關于當代生活方式的輕快提案。

歡迎來，看傳統如何繼續發生。

JO MALONE LONDON 祖·瑪瓏

為展覽空間提供個性嗅覺體驗

本次展廳空間墻面涂料由立邦中國呈現

繽紛色彩，刷新當下生活里的美好