在宮殿、庭院與倉庫之間，2026秋冬時裝秀如何重塑空間想象

隨著時裝周不斷演化為一場關于空間、敘事與感知的綜合創作，秀場早已不再只是服裝發布的舞臺，更成為時尚品牌釋放空間創造力的重要媒介。設計師通過建筑、裝置與環境構建出完整的視覺語境，讓觀眾在進入秀場的瞬間便沉浸于品牌所構想的世界之中。

2026秋冬秀場設計從歷史建筑到臨時裝置，從城市地標到自然景觀，建筑語言與時裝設計在不斷交匯之中，構建出一種跨越學科的視覺敘事。當服裝在建筑之中行走，空間結構、材質與光影便成為敘事的一部分，而建筑所承載的歷史、文化與城市記憶，也在這一短暫時刻被重新激活。

本季Louis Vuitton將秀場設于巴黎Cour Carrée du Louvre。這座位于Louvre Museum核心的歷史庭院曾是法國王宮的一部分，如今已成為巴黎最具象征意義的文化空間之一。為回應本季關于“自然與旅途”的主題，創意總監Nicolas Ghesquière邀請《Severance》劇集布景設計師Jeremy Hindle打造秀場空間，兩人共同構建了一片介于自然景觀與未來幻想之間的舞臺：原本連綿起伏的綠色丘陵被抽象為鋒利而幾何化的山峰，仿佛自然地貌在科幻語境中被重新雕刻。

在盧浮宮古典石墻圍合的庭院中央，一座臨時搭建的透明結構形成半室內展示空間。觀眾沿樓梯進入其中，面對的是一片由綠色雕塑構成的抽象地景。起伏的山丘被切割成尖銳棱角，形成類似未來山脈的結構，與庭院四周文藝復興時期的建筑立面形成鮮明對比。簡化后的體塊在燈光下投射出強烈陰影，使整個場景更像一座雕塑化的景觀模型。

自然、建筑與舞臺設計在此交疊，形成一種既原始又未來主義的視覺語境。模特行走其間，仿佛穿越一片被重新想象的自然地貌，回應了Ghesquière對系列的描述：一次關于山脈、森林與平原的想象，以及人類在這些地形之間遷徙與旅行時所形成的服飾傳統。

正如他在秀后所說，這并不是對現實的逃離，而是一種回聲，一種來自過去、延伸向未來的“新民間傳說”。在盧浮宮的歷史石墻之間，這片被抽象化的自然地貌，為Louis Vuitton的旅行敘事打開了一條新的空間路徑。

創意總監 Nadège Vanhee-Cybulsk選址巴黎La Garde Républicaine，將本季秀場靈感鎖定在一天之中最微妙的時刻：暮光時分。當太陽已經落下，卻仍殘留微弱光線時，世界既不完全明亮，也未完全沉入夜色，形成一種介于光與影之間的“過渡時刻”。

為了捕捉這一轉瞬即逝的氛圍，Hermès將秀場轉化為一條穿越自然景觀的蜿蜒路徑。藍色調的跑道像一條絲帶般盤旋于空間之中，略微懸浮在地面之上，兩側則鋪陳著苔蘚、低矮植被與泥土質感的地形，仿佛城市邊緣的一片自然地帶。模特沿著這條弧形路線緩緩行進，穿行于觀眾之間，使整場大秀更像是一場緩慢展開的夜間漫步。

秀場盡頭，一道發光的圓形裝置懸掛于空間之中，如同遠方的月亮或一道通往另一片景象的入口。模特從這一光環中走出，隨后進入曲折的路徑，形成一種近乎電影場景般的儀式感。光線在空間中不斷變化：溫暖色調仿佛日落最后的余暉，而冷藍色燈光則暗示夜色漸深。

這種光影策略呼應了本季系列所強調的明暗對照，在不斷變化的燈光之下，服裝的結構與材質逐漸顯現，又重新融入陰影之中。硬朗剪裁的西裝、馬術靈感的褲裝與柔和的A字輪廓在光線流動中呈現出雕塑般的體量感。

在這個介于日與夜之間的世界里，Hermès將秀場轉化為一種沉浸式體驗。蜿蜒的路徑放慢了觀看節奏，多重視角讓服裝在移動中不斷被重新感知。建筑、自然與光線共同構成了一場關于感官與時間的空間敘事。

本季，Dior將秀場帶回巴黎市中心的杜樂麗花園Jardin des Tuileries。這座始建于1564年的法式花園由凱瑟琳·德·美第奇下令修建，并在路易十四時期由園林設計師安德烈·勒諾特重新規劃，形成今日典型的法式軸線布局。自1667年向公眾開放以來，這片城市綠地一直是巴黎最具象征意義的公共空間之一，也是無數藝術家與漫游者汲取靈感的場所。

本季秀場圍繞花園中的一處水池搭建。鋪滿睡蓮的水面中央，一座小橋連接起臨時建造的玻璃溫室式觀秀空間，模特沿著水池邊緣行走，形成一條仿佛公園散步路線般的環形動線。杜樂麗花園標志性的綠色座椅，被重新演繹為觀眾席與秀場裝置的一部分，也被制成本季時裝秀的邀請函成為貫穿空間的視覺符號。

這一空間構想回應了創意總監Jonathan Anderson為本季提出的主題：“被觀看與觀看”。在17世紀花園向公眾開放之初，人們進入園中散步時需要遵守嚴格的著裝規范。漫步花園本身就是一場社會性的展示行為，人們既是觀察者，也是被注視的對象。因此，本季秀場被構建成一條當代版的林蔭大道，模特仿佛城市漫游者，在觀眾之間往返行走，形成一種流動的公共場景。當模特在水面與綠蔭之間緩步而行，服裝、自然與建筑共同構成了一場關于城市漫游的空間敘事。

Chanel再次回到巴黎Grand Palais呈現2026秋冬系列。這座建于1900年巴黎世界博覽會期間的宏偉建筑，以巨大的玻璃穹頂與鋼鐵結構聞名，是法國美好年代Belle époque建筑的代表之一。一個多世紀以來，這里既是藝術展覽、文化活動的重要場所，也見證了巴黎時裝產業的發展。

自Karl Lagerfeld 在2005年將Chanel秀場帶回Grand Palais以來，這座建筑便成為品牌秀場敘事的重要舞臺，從超市、火箭發射臺到冰山與海灘，每一次場景重塑都讓Grand Palais成為Chanel想象力的容器。

在創意總監Matthieu Blazy的第二個成衣系列中，這座歷史空間被重新構想為一處充滿活力的“建筑工地”。閃耀的顆粒地面鋪展開來，如同一片舞臺般的銀色平面，而數座巨型起重機裝置矗立其間。它們以紅、藍、黃等原色呈現，既像童話城市中的玩具機械，也仿佛一處正在建造中的時尚現場。

工業結構與Grand Palais優雅的鋼鐵穹頂形成鮮明對比，為空間帶來一種輕松而富有想象力的張力。

這一裝置既呼應了建筑本身的結構語言，也象征著一種持續生成的創作過程。起重機代表著建造與改變，而閃耀的地面則賦予秀場一種舞臺般的能量。當Lady Gaga《Just Dance》 的旋律響起，并穿插電影《Billy Elliot》的聲音片段，整個空間被一種舞動般的節奏感所包圍。

Prada 2026秋冬系列選址則是其位于米蘭的Fondazione Prada Deposito。這座位于 Fondazione Prada園區內的工業倉儲空間，由AMO重新構想為一處仿佛“被掏空的宅邸”：墻面保留古典石膏線、拱形窗與大理石壁爐的痕跡，使原本粗糲的工業結構呈現出介于歷史室內與建筑骨架之間的狀態。

空間內部陳列來自不同年代的藝術品與家具，16至17世紀的掛毯與繪畫、18世紀的威尼斯鏡面與桌案，以及20世紀的座椅與燈具?？缭轿鍌€世紀的物件被散置在秀場之中，使秀場看起來既像一座私人收藏空間，又仿佛一座被時間不斷疊加的歷史宅邸。

這一空間邏輯呼應Miuccia Prada與Raf Simons為本季提出的核心概念“layering”。整場秀僅由15位模特演繹60套造型，隨著多次出場，部分外層服裝被逐漸移除，隱藏其中的組合隨之顯現，使每一套造型在行進之間不斷變化。

在這些不斷轉化的造型中，剪裁西裝、運動服、刺繡緞面禮服與品牌檔案元素被嵌入極簡結構之中，形成既熟悉又陌生的并置關系。模特穿行于家具與藝術品之間，服裝與空間彼此映照：如同秀場中跨越世紀的物件，這些層疊的服裝同樣承載著時間、記憶與個人敘事。

本季，Balenciaga在巴黎Avenue des Champs-élysées的秀場空間中，構建了一處介于影像裝置與沉浸式劇場之間的環境。創意總監Pierpaolo Piccioli以“ClairObscur”為主題呈現其為品牌打造的第二個系列，并與HBO劇集《Euphoria》的創作者Sam Levinson展開跨界合作，將影像語言引入秀場敘事之中。

整個空間由多塊大型屏幕構成，觀眾被影像包圍，屏幕上播放著《Euphoria》第三季的片段預告。這些影像并非簡單的背景，而是成為秀場空間的一部分，如同一面面光影墻體，在不斷變化的色彩與光線中塑造出情緒化的環境。

《Euphoria》以其獨特的視覺風格而聞名：飽和的色彩光源、戲劇化的照明，以及在現實與夢境之間游移的影像質感。Piccioli將這種影像語言引入秀場空間，通過明暗對照與色彩反射，使整個場域呈現出一種多棱鏡般的視覺效果。

Piccioli表示，他選擇與Levinson合作，是因為對方能夠以一種極具人性的方式呈現現實中的脆弱與力量。在這一空間裝置中，影像、燈光與服裝共同構成了一種敘事結構，每一塊屏幕都像是一個片段，讓觀眾在不同故事之間自由聯想。當模特在這些光影之間行走，秀場仿佛變成一部正在展開的電影。光與暗不斷交替，影像與現實彼此映照。正如Levinson所說，沒有黑暗，光便失去層次；沒有光，黑暗則會吞沒一切。Balenciaga在這一場景中探索的，正是這種微妙而復雜的平衡。

這一次 Bottega Veneta將秀場設于米蘭歷史建筑Palazzo San Fedele內。這座位于米蘭大教堂與斯卡拉歌劇院之間的建筑，曾是20世紀初一座著名劇院，如今被改造為品牌在米蘭的新總部。高挑的中央中庭、環繞的古典柱廊與從天窗傾瀉而下的自然光，使空間本身帶有一種劇場般的莊重與張力，也為本季大秀提供了一處兼具歷史感與儀式感的舞臺。

在這一克制而宏大的建筑空間中，創意總監Louise Trotter將秀場敘事的重心放在“座椅”這一日常物件之上。她邀請英國設計師Max Lamb為本次大秀特別創作421把手工椅子，讓觀眾席本身成為秀場空間的重要組成部分。這些椅子由聚苯乙烯與聚氨酯手工塑形而成，延續了Max Lamb在其設計項目60 Chairs中探索的材料實驗。粗糲的表面保留了切割與雕刻的痕跡，呈現出近乎原始的雕塑質感。未經著色的乳白色椅子與秀場鋪陳的深紅地毯、猩紅漆面柱體形成鮮明對比，在劇院式中庭內構建出一種極具張力的視覺場景，也強化了Trotter在秀場筆記中所提到的主題：關于“集體表達”的想象：心靈、思考與手工之間的協作關系。

對Bottega Veneta而言，與設計界的跨界合作早已成為品牌秀場敘事的重要部分。此前幾個季度中，品牌曾邀請Gaetano Pesce設計樹脂座椅，也曾以動物造型的懶人沙發與彩色Murano玻璃凳構建觀眾席。本季Max Lamb的421把椅子，則將這種設計傳統進一步推向極致：在不到兩個月的時間內完成全部制作，每一件都由手工雕刻而成。

當模特在紅色地毯上行走，觀眾坐在這些帶有雕塑感的椅子上，整個秀場仿佛回到建筑最初的劇院記憶，舞臺、觀眾與表演之間的關系被重新激活。短短13分鐘的大秀結束后，這些椅子將繼續在不同展覽空間中被收藏與展示，成為時尚秀場之外的一段設計延續。

Demna執掌Gucci后的首場大秀選址米蘭Palazzo delle Scintille。這座由建筑師Paolo Vietti-Violi于1923年設計的巨大室內競技場，最初是用于場地自行車比賽的速度館。歷經戰爭損毀與數十年的功能更迭，這座建筑曾承載體育賽事、音樂演出與公共活動，如今成為米蘭城市文化空間的一部分。

這座充滿工業記憶的場館這一次被重新構想為一座“博物館”。觀眾進入空間后，首先映入眼簾的是一間被淺色洞石包覆的宏大大廳。墻面與結構表面采用StoneLeaf制作的柔性洞石板材，這種將天然意大利大理石薄片附著于樹脂與玻璃纖維上的材料，在保留石材質感的同時減輕了重量，使整個空間呈現出一種看似厚重卻輕盈的建筑表情。在這座臨時博物館中，一系列古典雕塑散布其間。作品以佛羅倫薩Uffizi美術館與那不勒斯國家考古博物館收藏為原型，通過3D掃描技術復制，并由托斯卡納工匠以石膏重新制作，再經處理呈現出仿若大理石的質感。

這一空間敘事與Demna過去一年對Gucci歷史的研究密切相關。在佛羅倫薩的品牌檔案館與工坊之間，他不斷往返于工業生產與文藝復興藝術之間。一次站在Sandro Botticelli的《The Birth of Venus》前的經歷，讓他重新理解了意大利美學對比例、欲望與美的影響。本季系列名稱“Primavera”，同樣來自Botticelli的另一件文藝復興名作。

在Palazzo delle Scintille巨大而克制的空間中，古典雕塑、洞石墻面與冷峻燈光構成一種近乎博物館式的觀看體驗。模特在這些靜默的“觀眾”之間穿行，現代服裝與歷史形象并置，形成強烈的時間張力。在這座被重新想象的博物館中，建筑、藝術與時裝共同構成了一場關于歷史與當代的空間敘事。

作為米蘭時裝周的壓軸秀場，Giorgio Armani 2026秋冬系列選址 Via Borgonuovo 21，這座位于米蘭布雷拉區的17世紀宮殿曾是 Giorgio Armani 的私人故居，也是品牌早期舉辦時裝秀的重要場所之一。將秀場帶回這一地址，不僅是一種空間上的回歸，也為本季系列賦予了更為私人化的情感維度。

在這座建筑語境之中，本季秀場的空間設計延續了Armani一貫的簡約邏輯。秀場地面被處理成帶有金屬光澤的表面，仿佛一整塊鋪展開來的絲綢織物，在燈光下反射出細微而流動的光線。與其說是一條傳統意義上的T臺，不如說是一片具有質感與光影變化的“材質地景”，讓模特在其上行走時產生輕微的反射與律動。

秀場盡頭的背景屏幕則呈現出一片柔和的天空景象：淺藍與淡紫色調在屏幕上緩慢過渡，如同黎明或極光時分的天空。與內部沉穩的歷史空間形成對比，這一抹輕柔的色彩為整個場域注入了微妙的情緒變化，使秀場仿佛停留在夜色與晨光交界的時刻。

Burberry這一季的秀場設于倫敦泰晤士河北岸的Old Billingsgate Market。這座建于19世紀的維多利亞式建筑曾是世界上最大的魚類市場，如今被改造為城市重要的文化與活動空間。寬闊的鐵結構屋頂、拱形窗與工業風格的結構，使這里保留著濃厚的倫敦歷史印記，也成為本季大秀充滿都市氣息的背景。

創意總監Daniel Lee將秀場構想為一座“正在施工中的倫敦”。在這座臨時建造的城市景觀中，倫敦地標Tower Bridge被拆解為類似積木的結構片段，懸浮在空間之中，并被腳手架與Burberry Check圖案的防護網包裹。建筑元素仿佛仍處在搭建與修復的過程里，呈現出一種未完成的城市狀態。

這一設計靈感來自倫敦街頭常見的景象：歷史建筑在修復期間被腳手架與防護帆布包裹，城市景觀因此不斷處于更新與變化之中。Daniel Lee借由這一視覺語言，將秀場轉化為一座象征城市演變的微型建筑模型。地面則以橡膠鋪設，并點綴樹脂制作的“積水”，模擬倫敦雨后街道的濕潤質感。低調昏暗的燈光在這些“水面”上反射出微弱光影，與黑色天鵝絨座椅共同營造出一種夜晚城市的氛圍。觀眾仿佛置身于雨后的倫敦街頭，在尚未完工的城市結構之間觀看這場時裝表演。

在這一近乎舞臺裝置般的空間中，模特穿行于腳手架與橋梁結構之間，服裝的輪廓與材質在暗色調環境中顯得格外鮮明。整個秀場既像一座建筑工地，又仿佛一座未完成的城市模型，回應了品牌所描述的概念: 一座始終處于建造與更新之中的倫敦。

當燈光熄滅、音樂結束，這些秀場空間往往只存在數小時，卻留下深刻的視覺記憶。在當代時裝語境中，建筑早已不只是背景，而是敘事的重要組成部分。無論是歷史建筑的再激活，還是臨時裝置的大膽實驗，設計師都在通過空間重新定義觀眾觀看時裝的方式。

從花園景觀到劇院大廳，從城市地標到沉浸式影像環境，本季秀場呈現的不僅是服裝系列，更是一種關于空間與文化的思考?；蛟S正如這些短暫出現的空間所暗示的那樣：時裝周不僅在展示衣服，也在不斷建造新的舞臺，讓城市、建筑與想象力在其中相遇。

編輯 | Peipei

圖｜來自各品牌

文｜Grace

設計｜卓瑪、Olive

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